Archive for ‘Alternative Rock’

septembre 28, 2010

Rachael – I Bet You Like Drugs Instead of Sex

Origine du Groupe : Poland

Style : Alternative Rock , Psychedelic Rock

Sortie : 2008

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From official Myspace :

« …energetic, edgy, psychedelic garage burner from Warsaw, Poland »;

« Overall, an incredibly strong debut »

« Rachael know how to link the sound with something special that makes them unique »

« Rachael brings fresh sounds to the scene, making you get pumped, or just mellowing out, relaxing to the groove. »

« I like this, sometimes gloomy, but still good sound »

« Influences form English post punk through American garage to indie »

« The next Polish big thing. »

Tracklist :

01 Asian Girl

02 Juditha

03 Going Up In Smoke

04 V-66

05 All You Need Is Lead


Tell a Friend

septembre 18, 2010

The Grateful Dead – Movie Soundtrack

Origine du Groupe : North America
Style : Alternative Rock Psychedelic , Folk , Jam
Sortie : 2005

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From Wikipedia :
The Grateful Dead Movie Soundtrack is a five CD live album by the Grateful Dead. It was recorded from October 16 to October 20, 1974, and was released on March 15, 2005.

In 1974, the Grateful Dead were exhausted from touring, and their sound system, the « Wall of Sound », had proven too expensive to continue with. In response, the group decided to stop touring for an indefinite period of time. In October they played five nights at the Winterland Ballroom in San Francisco, California. As they were the last concerts before the hiatus, the Grateful Dead wanted them to be properly recorded and documented by a film crew.

The results were a rather unsuccessful live album, Steal Your Face, and a film, The Grateful Dead Movie. The movie was released in theaters in 1977, and on videotape in 1981. In 2004 it was expanded to a double DVD with bonus cuts and documentaries. A few months later, a five CD album was released as The Grateful Dead Movie Soundtrack. The album included even more previously unreleased tracks, including a rare « Tomorrow Is Forever ». The DVD contains one track not released on the soundtrack (« Sugaree » from October 18).


Tracklist :

Disc one

   1. « U.S. Blues » (Robert Hunter, Jerry Garcia) – 5:13
   2. « One More Saturday Night » (Bob Weir) – 6:33
   3. « China Cat Sunflower » (Hunter, Garcia) – 9:14
   4. « I Know You Rider » (traditional, arr. Grateful Dead) – 6:07
   5. « Eyes of the World » (Hunter, Garcia) – 13:01
   6. « China Doll » (Hunter, Garcia) – 6:16
   7. « Playing in the Band » (Hunter, Mickey Hart, Weir) – 31:44

Disc two

   1. « Scarlet Begonias » (Hunter, Garcia) – 13:56
   2. « He’s Gone » (Hunter, Garcia) – 13:01
   3. « Jam » (Grateful Dead) – 7:31
   4. « Weirdness » (Grateful Dead) – 8:05
   5. « The Other One » (Bill Kreutzman, Weir) – 7:34
   6. « Spanish Jam » (Grateful Dead) – 1:48
   7. « Mind Left Body Jam » (Grateful Dead) – 3:10
   8. « The Other One » (Kreutzman, Weir) – 2:28
   9. « Stella Blue » (Hunter, Garcia) – 9:04
  10. « Casey Jones » (Hunter, Garcia) – 5:23

Disc three

   1. « Weather Report Suite » – 16:44
          * « Prelude » (Weir)
          * « Part I » (Eric Andersen, Weir)
          * « Part II: Let It Grow » (John Barlow, Weir)
   2. « Jam » (Grateful Dead) – 8:54
   3. « Dark Star » (Hunter, Garcia, Hart, Kreutzman, Phil Lesh, Pigpen, Weir) – 24:10
   4. « Morning Dew » (Bonnie Dobson, Tim Rose) – 13:54
   5. « Not Fade Away » (Buddy Holly, Norman Petty) – 8:34
   6. « Goin’ Down the Road Feeling Bad » (trad., arr. Grateful Dead) – 7:33

Disc four

   1. « Uncle John’s Band » (Hunter, Garcia) – 9:08
   2. « Big Railroad Blues » (Noah Lewis) – 5:02
   3. « Tomorrow Is Forever » (Dolly Parton, Porter Wagoner) – 6:26
   4. « Sugar Magnolia » (Hunter, Weir) – 5:26
   5. « He’s Gone » (Hunter, Garcia) – 13:49
   6. « Caution Jam » (Grateful Dead) – 4:30
   7. « Drums » (Kreutzman) – 1:23
   8. « Space » (Grateful Dead) – 9:14
   9. « Truckin' » (Hunter, Garcia, Lesh, Weir) – 9:48
  10. « Black Peter » (Hunter, Garcia) – 10:10
  11. « Sunshine Daydream » (Hunter, Weir) – 3:14

Disc five

   1. « Playing in the Band » (Hunter, Hart, Weir) – 13:24
   2. « Drums » (Hart, Kreutzman) – 4:09
   3. « Not Fade Away » (Holly, Petty) – 14:44
   4. « Drums » (Hart, Kreutzman) – 4:53
   5. « The Other One » (Kreutzman, Weir) – 10:56
   6. « Wharf Rat » (Hunter, Garcia) – 9:35
   7. « Playing in the Band » (Hunter, Hart, Weir) – 8:38
   8. « Johnny B. Goode » (Chuck Berry) – 3:55
   9. « Mississippi Half-Step Uptown Toodleloo » (Hunter, Garcia) – 7:34
  10. « We Bid You Goodnight » (trad., arr. Grateful Dead) – 1:59



Tell a Friend

septembre 13, 2010

Chikita Violenta – The stars & suns sessions

Origine du Groupe : Mexico

Style : Alternative Rock , Indie

Sortie : 2007

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It seems that something is stirring south of the border. In fact, borders are being erased, the musical rules are being rewritten and, in some ways, thrown out the door altogether. Who needs
rules anyway? While Chikita Violenta have been making music since the earlier part of this decade, only recently has the music scene in Mexico begun to take off in terms of support for
independent, internationally accessible acts. In fact, you wouldn’t even realize the group was from Mexico at all with all of their lyrics in English except for the clue of “coming to you from la
Ciudad de México” said at the beginning of “The Last Film”.

While the quintet has a self-recorded album under their belt, The Stars and Suns Sessions is their major label debut and it reveals quite a strong leap out of the gate, at that. The album was
produced by Broken Social Scene member/producer David Newfeld in his Toronto-based Stars and Suns studio. The album is filled with layers of the BSS sound through Newfeld’s production work and
also through the guest appearances from fellow BSS members Brendan Canning, Kevin Drew, Justin Peroff and Charles Spearin. Other guests include Toronto folk singer Sarah Siddiqui.

Opening up the album with “Pangea”, a half-minute of digital washes of sounds that could’ve come straight out of Feel Good Lost. This sets the tone for a solid collection as well as shows off the
Canadian influence. But before you have a chance to reduce them to a mere Broken Social Scene knock-off, “Laydown” comes blasting through your speakers. Opening with a wave of drums, crashing
cymbals and some of the catchiest guitar I’ve heard all year, this song is immediately and undeniably infectious. And if the opening beats don’t have you moving at least one part of your body, I
guarantee the layered vocals and washes of “ooooohs” and “ahhhhh” will win your over once and for all. Full of handclaps and a snappy beat, Broken Social Scene only wishes they could be this

While there are several noteworthy songs on the album, one of my personal favorites is “Rotation” – with driving guitars, galloping drums, melodica and a mixture of sounds that blend together to
form a harmonious wall of noise that lifts the many vocals layers up to shine. Horns later make their way into the scene as the song builds up into an all out explosion of sounds then
disintegrates as if having completely run out of breath.

However, while this sonic wash of sound technique may work well to provide a certain flavor, it can also be overdone in places throughout the album to the point that it becomes distracting. This
is especially unfortunate because it keeps you from turning up the volume on your stereo due to everything mashing together in one big mess of noise. The album must then be played a notch or two
under what you might otherwise listen to. In tracks like “Rotation” where there are many layers, both vocally and instrumentally, it would’ve been nice if it were just a little bit more clear.
It’s less noticeable when heard through headphones but at one point I had the track playing loud and someone actually asked me what was wrong with my speakers.

In “Eight Miles High” the group incorporates heavier electric guitar undertones, rumbling drums and spacey guitar interjections. The vocals pick up influences from 70’s style harmonies, which is
a great contrast with the heavier music and works really well for them. “Sunburn” offers up a lighter fare with spacey guitar, hooky bass and soft yet almost whiny vocals that builds and builds
alongside trumpets and piano that then come crashing down into a melodic jumble of keys and drums at the end.

While Chikita Violenta may excel in the pop category, they do fall a bit short in some of the lyrical elegance and overall contemplative nature that makes their influences shine so brilliantly.
“Over Now” is a fairly short track at two minutes but even that seems like too much. With the lines “This is over now” it seems appropriate that the style of the song would evoke a certain
feeling of pain but unfortunately, it’s also painful to listen to as the vocalist strains to release each word from his lips. The track acts like an unfortunate speed bump between two more
enjoyable songs. But amazingly this one track is all I really have to complain about and luckily it isn’t around long enough to change the fact that the album is a downright good listen from
beginning to end.

“Breathe” wraps up the album nicely with the same washes of sounds heard at the beginning of the album and a gathering-of-friends-around-the-campfire type feel with acoustic guitar, mandolin, and
drum tapping. There is even a nice dip into a deeper vocal range which adds a nice touch. Given the list of guests, this almost feels like a farewell to the good times shared over the course of
the album’s creation, even if the specific lyrics here “Everyday feels the same / you’re gone / and the world breathes better” speak of something completely different. The vocals are laid back
and blend sweetly with the sonic layers evoked by Newfeld. The song fades out in the last two minutes with some chorus lines rolling about within the many layers of sounds that jam their way out
ever so slowly, as if afraid to give the final goodbye.

Each song is like its own little production filled to the brim with intensely memorable and heartfelt songs. Easily one of my favorite new albums of the year, The Stars and Suns Sessions is a
near-perfect pop album that introduces not only a band to watch out for but also an entire country getting ready to take the independent music world by storm.

by Lisa Town 


Tracklist :

   1. « Pangea »

   2. « Laydown »

   3. « The Last Film »

   4. « Rotation »

   5. « Sunburn »

   6. « Over Now »

   7. « War »

   8. « Disintegrates »

   9. « Eight Miles High »

  10. « Undecided »

  11. « Breathe »


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septembre 12, 2010

Pink Floyd – Live at Pompei (Full Concert)




Version de 1972 (60′)

Ajouts dans le director’s cut


From Wikipedia

Pink Floyd: Live at Pompeii est un film musical d’Adrian Maben, sorti initialement en 1972.

À l’origine, il s’agissait d’un projet de télévisions européennes prévoyant de filmer Pink Floyd interprétant certains de
ses morceaux dans l’univers minéral de Pompéi et du Vésuve. La première version sortie en salle dure 60 minutes, et on n’y voit que les scènes de Pompéi et Paris. Cette version contenait une
introduction ressemblant à Echoes avec de l’air, un sifflement et un petit air de guitare joué par David Gilmour.

Une seconde version sort en 1974 : elle ajoute vingt minutes de reportage sur Pink Floyd, alors en pleine élaboration de l’album The Dark Side of the Moon (on assiste ainsi à l’élaboration d’On the Run, d’Us and Them et de Brain Damage), ainsi que des extraits d’entretiens des quatre membres du groupe avec Adrian Maben.
Cette version, de même que le director’s cut, ont pour introduction un battement de coeur comme sur Speak to Me.

Seules Echoes, A Saucerful of Secrets et One
of These Days
apparaissent tournées sur place. Le reste a été enregistré en studio à Paris, avec des images de Pompéi projetées derrière les musiciens. Malgré les apparences, certaines
scènes des titres tournés a Pompéi ont été reprises a Paris, hormis pour One of These Days. La
majorité des plans concernant cette dernière chanson ont été perdus, si bien que l’on ne voit quasiment que le batteur Nick
sur cette séquence (il perd d’ailleurs une baguette, mais réussit à en sortir une autre tout en conservant le rythme).

Bien qu’on lui ait proposé de jouer en play-back, le groupe a préféré se produire en direct. L’acoustique de l’amphithéâtre de Pompéi est remarquable, et le cadre antique du site donne une dimension supplémentaire à la musique du

Contrairement à la très grande majorité des albums live qui sont le plus souvent enregistrés pendant des concerts, le Live at Pompeii de Pink Floyd est joué devant un théâtre
vide de ses spectateurs. Ceci renforce encore l’impression d’un son totalement pur, idée récurrente chez Pink Floyd. Le film s’avère donc être « une sorte d’anti-Woodstock » (Adrian Maben), où le but serait de se focaliser sur la musique, et rien que sur la musique,
laissant de côté « les réactions du public ».

En 2003 sort une version DVD dite « director’s cut », qui dure 92 minutes : y ont été ajoutées des séquences en images
de synthèse représentant l’espace, Pompéi et sa destruction par les laves du Vésuve, ainsi que des images provenant d’Abbey Road et des missions Apollo. Le DVD contient également le film de 1972 (60 minutes), mais avec comme générique le battement de coeur,
comme la version longue de 1973.


Fiche technique

Liens externes

Générique de la version 1972


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septembre 9, 2010

Snow & Voices – Anything That Moves

Note :

Origine du Groupe : North America

Style : Alternative Rock , Indie , Psychedelic Pop

Sortie : 2010

Beat Surrender gets an increasing amount of emails these days, not all the music « fits » the blog and by definition my personal taste but time permitting I always try to take a listen to
everything that drops into my inbox and there are occasions where something on the fringes catches my attention and Snow & Voices new album Anything That Moves was one of them, the promo
track that got my attention was Maybe Finland and straight of I was captivated by the vocal of Lauri Kranz.

Kranz’ has a talented song-writing partner, multi-instrumentalist / producer Jebin Bruni (Aimee Mann, Fiona Apple) and together with a supporting cast of LA musicians they’ve come up with a nine
track album of LA dream pop described as « a multi-layered aural landscape », not a bad summary. Without prior knowledge of the band I’d convinced myself they were from Scandinavia and not
California (thrown off the scent by the first track title and band name maybe?), there’s no L.A. sunshine to be found here and listening between dusk and darkness is recommended – Kranz’ vocal
and the albums melancholy fit that time of day perfectly. The album is released independently on the bands own label on May 25th.

by simon230


Tracklist :

1. Maybe Finland (3:56)

2. Everything Coming Apart (4:39)

3. Blue (5:19)

4. I Am a Storm (2:54)

5. The Letting Go (5:27)

6. Swallow Me (5:00)

7. Mistress (4:19)

8. Liar (7:27)

9. Please Be My Lover (4:07)

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septembre 8, 2010

Woven Hand – The Threshingfloor

Note :

Origine du Groupe : North America

Style : Alternative Folk , Rock

Sortie : 2010

Indie Folk Américaine / 2010. Wovenhand a été purgé des vices de « Ten Stones » et on ne retrouvera sur « The Threshing Floor » ni les guitares rugueuses de « The Beautiful Axe », ni le punk-folk
de « Kicking Bird », ni les refrains fédérateurs de « Not One Stone », ni même l’émotion des post-ballades comme « Quiet Nights & Quiet Stars ». Non, il s’agit d’un album plus intimiste comme
« Mosaic », d’un album où David Eugene Edwards continue de se chercher et poursuit l’exploration de lui-même entamée avec « Blush Music ». Le songwriting y est ainsi implicitement moins ambitieux
mais toujours aussi personnel.

Dès les chants mystiques de « Sinking Hands », on sait que « The Threshing Floor » sera un album plus opaque, plus mystérieux, un véritable labyrinthe dans la pensée déjà torturée de son créateur
; une impression rapidement confirmée par « Raise Her Hands ». Quelque soit le procédé créatif, David Eugene Edwards aime à se retrouver isolé, évitant souvent les grosses tournées et la
promiscuité d’un groupe. Wovenhand est une extension de son univers, de sa vie, un parcours à mille chemins qui se croisent et s’entrechoquent, mais un parcours que l’on doit suivre seul.

On pourrait du coup reprocher à Wovenhand de tourner en rond, d’appliquer une recette tant chacun des titres porte en lui tout l’héritage des précédents opus (« A Holy Measure ») et que chacune
des intersections possèdent les mêmes attributs que la précédente. Les chansons usent toujours du même schéma narratif imposé dès 2003 par des titres comme « My Russia ». Les introductions
instrumentales particulièrement ambiantes laissent supposer que la voix ne viendra jamais se poser avant que cette dernière ne finisse toujours par nous prendre à revers (« Singing Grass »).
L’étrange interlude « Wheatstraw » est lui une émanation du spectre de « Snake Bite ». Mais la précieuse capacité du pèlerin à imbriquer brillamment les influences médiévales et les fluttes
enchanteresses (« Terre Haute ») prouve qu’il y a une légitimité à consolider les défenses du terrain qu’on est le seul à occuper. Au fond, les briques du « Shametown » de 16 Horsepower servent
toujours 15 ans plus tard de fondations au dédale.

C’est lorsque la rythmique joue le décalage avec l’univers folk et qu’un mur de son porte la force des incantations que Wovenhand se fait le plus envoûtant (« Thruth », reprise de New Order).
Plus le temps passe, plus David Eugene Edwards marche dans les pas de David Tibet, et les abîmes de Wovenhand pourraient bientôt côtoyer ceux de Current 93 (« Behind Your Breath »).

« The Threshing Floor » se clôture sur un « Denver City », blues-rock à souhait et étonnamment empli d’espoir, qui ne peut se défendre d’être une évidente référence au Denver Sound dont David
Eugene Edwards fut en quelque sorte l’effigie. Faut-il y voir la sortie du labyrinthe ? Non plutôt un oasis de verdure caché au milieu de celui-ci. Nul doute que le voyage initiatique n’est pas
fini et que les shamans ont encore fort à faire avec Wovenhand.

par Benjamin F


Tracklist :

1. Sinking Hands

2. The Threshing Floor

3. A Holy Measure

4. Raise Her Hands

5. His Rest

6. Singing Grass

7. Behind Your Breath

8. Truth

9. Terre Haute

10. Orchard Gate

11. Wheatstraw

12. Denver City


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septembre 7, 2010

Timber Timbre – Timber Timbre

Note :

Origine du Groupe : Canada

Style : Alternative Rock , Folk Psyché

Sortie : 2009

Je vous avais déjà parlé de Timber Timbre (bon, j’peux pas vous faire un lien vers le billet en question, un 403 Forbidden  de plus et j’explose), ce groupe canadian de folk/blues dont la
notoriété ne cesse de grimper, qui a été récompensé par un prix Polaris et qui en pleine tournée américaine, ce qui devrait leur offrir une plus grande visibilité internationale. J’me prends même
à espérer une tournée européenne en 2010. Comment définir leur musique… C’est en quelque sorte un mélange de Devendra Banhart et M. Ward, avec une voix qui me fait penser à Charlie Winston,
notamment dans « Demon Host ». C’est génial.

par Le Choix de Mlle Elodie


Tracklist :

   1. « Demon Host »

   2. « Lay Down in the Tall Grass »

   3. « Until the Night is Over »

   4. « Magic Arrow »

   5. « We’ll Find Out »

   6. « I Get Low »

   7. « Trouble Comes Knocking »

   8. « No Bold Villain »


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août 31, 2010

Guano Padano – Guano Padano

Note :

Origine du Groupe : Italia

Style : Alternative Rock , Country , Folk , Smooth Jazz , Instrumental Experimental

Sortie : 2009

Alessandro Steffana released his debut solo album to much acclaim on Important a few years back Since then he has worked as a member of Mark Ribot’s Ceramic Dog project as well as Mike Patton’s

Guano Padano, assembled by Alessandro Stefana, features guests Alessandro Alessandroni (renowned whisteler of the immortal Ennio Morricone western soundtracks), Gary Lucas (Captain Beefheart/Jeff
Buckley guitarist), Chris Speed (clarinet player with Tim Berne, Uri Caine, John Zorn etc.) and, last but not least, the legendary Italian singer Bobby Solo

Guano Padano’s music is a kind of road movie, unfolding between the scorching asphalt of Highway number 4 and the juicy smells of the peasant festivals so common in the Pianura Padana. It’s a
dreaming mixture of rock, psychedelia, folk and country, jazz improvisations and Morricone hints. Alessandro « Asso » Stefana and Zeno de Rossi started to work together some years ago while playing
in Vinicio Capossela’s band, of which they are still steady members. For this trip they are joined by Danilo Gallo, a double bass player with a dark, meaty, gutsy style, who has shared with Zeno
various adventuresmerged in El Gallo Rojo collective, one of the most interesting experiences of Italian underground and independent jazz.


Tracklist :

01. Guano Padano

02. A Country Concept

03. El Divino

04. Epiphany

05. Bull Buster

06. Ramblin’ Man

07. Jack Frost

08. Del Rey

09. Danny Boy

10. Tromp Valley

11. El Divino (alternate version)



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août 31, 2010

Wolfmother – Wolfmother

Note :

Origine du Groupe : Australia

Style : Heavy Metal , Alternative Rock

Sortie : 2006

From Wikipedia :

Wolfmother is the debut studio album by Australian hard rock band Wolfmother, originally released on 31 October 2005 in Australia. The album was later released internationally at various dates in
2006, with the addition of « Love Train » and a rearranged track listing. Wolfmother peaked at number three on the Australian ARIA Albums Chart[1]  and was certified five times platinum by the
Australian Recording Industry Association.[2]  Six singles were released from Wolfmother’s debut album: « Mind’s Eye »/ »Woman », « White Unicorn », « Dimension », « Woman », « Love Train » and « Joker
& the Thief », the latter of which charted the highest at number eight on the ARIA Singles Chart.[1]  The album cover, which is taken from The Sea Witch by Frank Frazetta, shows a nymph
standing against a blue/orange sky, on a rock, though because it displays nudity the album is sold in Wal-Mart stores with an alternate cover featuring simply the band’s white logo against a
black background. It is the only album to feature co-founding members Chris Ross and Myles Heskett, who left the band in August 2008.

Tracklist :

   1. « Dimension » – 4:21

   2. « White Unicorn » – 5:04

   3. « Woman » – 2:56

   4. « Where Eagles Have Been » – 5:33

   5. « Apple Tree » – 3:30

   6. « Joker & the Thief » – 4:40

   7. « Colossal » – 5:04

   8. « Mind’s Eye » – 4:54

   9. « Pyramid » – 4:28

  10. « Witchcraft » – 3:25

  11. « Tales » – 3:39

  12. « Love Train » – 3:03

  13. « Vagabond » – 3:50



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août 31, 2010

Sleepy Sun – Fever

Note :

Origine du Groupe : North America

Style : Alternative Rock Fusion

Sortie : 2010

Avant-propos : cette critique n’est absolument pas objective et n’a pas pour vocation de l’être de toute façon. Je donne mon avis sur un album qui m’a plu. C’est pourquoi il serait de bon ton
lorsque le cœur vous en dit et avec une argumentation correcte d’en discuter dans les commentaires, c’est beaucoup plus enrichissant.

Je ne connaissais absolument pas ce groupe avant d’entendre parler de cet album, Fever, qui sort aujourd’hui en Grande-Bretagne et le 1er juin aux Etats-Unis. C’est pourtant bien leur deuxième
album, successeur d’Embrace. Et apparemment, il est sur la même lignée. Sorti seulement quelques mois après ce premier, Fever a pour moi deux caractéristiques très importantes et prédominantes :
la guitare et les voix.

Les deux sont très présents sur leur single Open Eyes, et reflètent vraiment leur place au sein de l’album. Tout comme le premier titre d’ailleurs, « Marina », qui est une démonstration d’emblée
de l’esprit du groupe avec les gros riffs de guitare et de l’aisance vocale de la chanteuse. Une voix par moment extrêmement grave ou anodine, puis cristalline à vous en coller des frissons,
d’une seconde à l’autre. Comme ça, comme si c’était pas la même fille. Elle enveloppera ainsi toutes les chansons, mettant une véritable empreinte sur ce qu’est « Sleepy Sun ». Les guitares,
elles, sont sublimes. Rapides, électriques sans être agressives, parfois lentes et suaves. Elles savent tout faire. Les autres femmes de ce groupe.

Un autre gros atout de l’album est sa tenue. Aucune dérive, aucun impact extérieur : ils se tiennent à ce qu’ils savent bien faire. Passant des sons rock (Wild Machines) à la folk (Rigamaroo) et
parfois même à la country clichée mais qui marche bien (Desert God), ils savent garder une cohérence dans la progression de leur disque. Attention, cela n’empêche pas la présence de titres plus
surprenants, comme le duo essentiellement instrumental Acid Love/Desert God en plein milieu de l’album. Il y a une envie de faire voyager qui est évidente, voyager à travers les plaines arides,
au milieu des dunes et des grands canyons, dans leurs régions qu’ils décrivent si bien. Accompagnés de la Sandstorm Woman et de son harmonica, pourquoi pas.

En fait le single Open Eyes n’est pas du tout représentatif de Fever. Je m’attendais à un groupe de New-wave un peu lo-fi, et puis en fait non. C’est vraiment un ensemble amusant à cerner, des
ambiances très variées et envoutantes, par leur réelle simplicité. Tout un univers entre le désert et les machines (du point de vue des thèmes, mais aussi des instruments). Un album qui n’a pas
d’intérêt à être analysé piste par piste, puisqu’elles sont tellement différentes les unes des autres, formant un tout qui est Fever. Lorsque l’on arrive au bout de l’album et qu’on croit
comprendre la cohérence de l’ensemble, on n’en est en fait qu’au début du voyage. Alors on relance, encore une fois. Pour voir comment ça fait, quand on connait déjà. Et évidemment, c’est jamais

Par <a class="url fn n" title="Quentin


Tracklist :

    * 1. Marina

    * 2. Rigamaroo

    * 3. Wild Machines

    * 4. Ooh Boy

    * 5. Acid Love

    * 6. Desert God

    * 7. Open Eyes

    * 8. Freedom Line

    * 9. Sandstorm Woman



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